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Arte y tecnología

Desde el 25 de febrero al 16 de marzo.

Un recorrido por algunos hitos tecnológicos y artísticos en el MACVAC
La complicidad entre arte y tecnología ha existido siempre. Las dos disciplinas están impulsadas por la imaginación, la creatividad y la atracción por todo lo nuevo y desconocido.
Es un hecho innegable que el arte y la tecnología se han fusionado para crear nuevas formas de expresión artística, transformando la forma en que se crea y se comparten las obras. Esta convergencia ha impulsado la innovación, inspirado colaboraciones interdisciplinarias y redefinido los límites tradicionales del arte.

Sala 2. Anzo y los fotolitos entintados.
Considerado uno de los introductores del Pop Art en España, Anzo participa en las nuevas tendencias figurativas que se inician en la década de los sesenta con acento crítico y social, entre otros, el movimiento Estampa Popular de Valencia, para seguir más tarde su propio camino artístico. Desde 1960 participó en gran cantidad de Salones de Pintura y Escultura por toda España y fuera de la geografía española. Su explosión artística se produce con la llegada de la década de los sesenta, con exposiciones colectivas e individuales y su relación con uno de los movimientos renovadores del arte valenciano, el Equipo Crónica. Sus composiciones en esos años, de clara geometría, derivaron hacia un lenguaje que le convirtió en uno de los introductores del pop-art en España, ahí empieza su serie Aislamientos, que traducen la inquietud de Anzo por representar al hombre contemporáneo aislado, atrapado en el mundo de las nuevas tecnologías. Las obras de Anzo reflejan la pérdida de sentido del hombre y la pérdida de su identidad.
Anzo fue un pionero en la utilización de los fotolitos para sus creaciones, usando el método del fotograbado inventado en 1850, que reproduce en relieve sobre una superficie de metal cualquier fotografía. Aunque en la actualidad el uso de fotolitos está quedando obsoleto, debido a la incipiente aplicación de la grabación directa de planchas desde el ordenador o las pruebas digitales lo cierto es que los fotolitos eran y siguen siendo una técnica muy utilizada para llevar a cabo el proceso de impresión.

Aislamiento 11 - Anzo

Sala 3. Fotolateras y la técnica estenopeica.
Tras el grupo Fotolateras están: Lola Barcia Albacar (Valencia 1968), diseñadora, ilustradora, animadora, fotógrafa, amante de las nuevas tecnologías y contadora de historias; y Marinela Forcadell Breva (Castellón 1969), fotógrafa y Community Manager. Barcia y Forcadell utilizan un método fotográfico artesanal que consiste en cocinar la fotografía dentro de una lata metálica sin lente, visor ni disparador, y en la que la luz entra a través de un pequeño orificio llamado estenopo. Del mundo de las Bellas Artes y del Marketing respectivamente, desde 2008 realizan su actividad profesional como fotógrafas estenopeicas. Viajeras incansables, recorren el mundo con más de 40 latas metálicas construídas como cámaras fotográficas, siendo “Ciudades Enlatadas” su mayor serie.
La fotografía estenopeica tiene sus raíces en la antigua Grecia, donde los filósofos experimentaron con cámaras oscuras y descubrieron que podían proyectar imágenes a través de pequeños orificios. Sin embargo, la fotografía estenopeica como la conocemos hoy en día no surgió hasta el siglo XIX, cuando la tecnología de la fotografía comenzó a avanzar rápidamente. En el siglo XIX, los fotógrafos utilizaban cámaras estenopeicas para capturar imágenes en situaciones donde la luz era limitada, como en interiores o de noche. Con el tiempo, la fotografía estenopeica fue reemplazada por cámaras con lentes más avanzadas, pero nunca perdió su encanto y siguió siendo utilizada por fotógrafos que buscaban una forma más pura y simple de capturar imágenes.

Sala 5. Marina Núñez y la imagen digital.
Marina Núñez representa en sus obras seres diferentes, aberrantes, monstruosos, los que existen al margen o en contra del canon. Los cuerpos anómalos que pueblan sus cuadros, imágenes o vídeos nos hablan de una identidad metamórfica, híbrida, múltiple. Recrea una subjetividad desestabilizada e impura para la que la otredad no es algo ajeno, sino que constituye básicamente al ser humano.
Una imagen digital es una representación bidimensional de una imagen a partir de una matriz numérica, frecuentemente binaria. Estas imágenes, generalmente se obtienen al convertir señales continuas en formato digital, las cuales se pueden visualizar en diversos medios como impresoras digitales, monitores y dispositivos de proyección digital. Este tipo de arte utiliza algoritmos y programas informáticos para crear y diseñar obras de arte de forma autónoma con patrones únicos y complejos.

Sala 7. Amparo Sard y la impresión en 3D.
Artista multidisciplinar española implicada en activismo social. Comenzó su carrera con autorretratos en situaciones surrealistas y fue evolucionado ampliando sus papeles y creando instalaciones con esculturas de aluminio o fibra de vidrio. En sus obras denuncia las injusticias sociales y otros temas sociales. Emplea en sus exposiciones distintas técnicas como la escultura, fotografías, vídeos y dibujos, y materiales como poliuretano, pintura de resina, vídeos. En sus trabajos busca lo sensitivo y lo siniestro, plasma la angustia que siente la persona cuando no puede cambiar una realidad injusta.
La tecnología 3D abre enormes posibilidades para el arte, permitiendo a los artistas reflexionar sobre muchas cuestiones que siempre han abordado tanto en el terreno del arte digital, como en la escultura o la fotografía.

Sala 11. Picasso, Miró y la cromolitografía.
Picasso fue el gran artista innovador. Creó infinidad de pinturas, esculturas, dibujos, grabados, ilustraciones, entrando en el libro Guinness de los récords como el artista más prolífico de la Historia. A partir de la década de los años treinta, Miró se consagró como una de las figuras más destacadas del panorama artístico internacional y como uno de los artistas clave del siglo XX. Fue precisamente en este momento cuando, inconformista por naturaleza, entró en una fase que denominó «asesinato de la pintura», en la que renunció voluntariamente a ser pintor y experimentó con otros medios como el collage o los dibujos sobre papeles de diferentes texturas y realizó «objetos» con elementos encontrados en la naturaleza que fueron sus primeras incursiones en el mundo de la escultura. Aunque poco después Miró volvería a la pintura, ya nunca abandonaría su deseo de experimentación con todo tipo de materiales y técnicas.
La litografía reproduce un dibujo o grabado sobre la superficie de una piedra calcárea. Se utiliza como plancha de impresión una piedra porosa, sobre la que se dibujaba de forma invertida. Este método dependía de procesos químicos y se trabajaba con tinta grasa y agua. En la litografía se escribe y dibuja al revés y se hace con un lápiz graso, se le añade una capa de goma arábiga con ácido acético y una capa de tinta de impresión.
Se humedece con una esponja la superficie y se pasa el rodillo sobre ella para entintar. Se coloca el papel agregando presión trasladando la tinta al papel. La cromolitografía, o litografía a color, se elabora a partir de un dibujo clave que posibilita la realización de imágenes a varias tintas a través de superposición y yuxtaposición de colores. La estampación a color ofrece muchas, y ricas, posibilidades, pero requiere al mismo tiempo un correcto uso de la técnica y de los sistemas de registro a través de una metodología muy precisa.

Sala 16. Warhol y la fotografía serigrafiada.
Warhol está considerado el artista pop por excelencia. Su pasión por la publicidad y su residencia en Nueva York, uno de los epicentros de esta corriente artística, hicieron inevitable formara parte de la explosión pop que marcó tendencia en la época. Junto con nombres como Richard Hamilton (una de cuyas obras dio nombre al movimiento), Roy Lichtenstein o Tom Wesselman, su obra se enfrentó al expresionismo abstracto creando imágenes radicalmente distintas. Y lo más importante: imágenes con un contenido cargado de significado social. Inspirándose en la cultura que les rodeaba y a la que pertenecían, los artistas crearon un universo de colores planos, contornos recortados, ausencia de texturas o pinceladas y reproducciones mecánicas. El objetivo: producir arte, de la misma manera que una fábrica produce objetos en masa. No es de extrañar que Warhol llamara The Factory (La Fábrica) al estudio de arte que inauguró en 1962 y mantuvo hasta 1984 en tres sedes distintas. Durante las décadas de los 60 y 70, el artista creó allí algunas de sus obras más emblemáticas: desde las Campbell’s Soup Cans hasta las Marilyn Monroes, o sus impactante serie Stars, Death and Disasters.
La fotografía serigrafiada consiste en utilizar fotos o imágenes famosas de la publicidad para después colocarlas sobre una tela, cuyo fondo colorea y que duplica en varios ejemplares. Es el estereotipo mismo del Pop Art, sin el dasarrollo de esta técnica hubiera sido imposible su desarrollo.

 

Sala 23. Sempere, Yturralde y el Centro de Cálculo.
Tanto Sempere como Yturralde participaron en el Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas, celebrado en 1969, y que se configuró como una experiencia pionera en la utilización del ordenador en la creación artística.
El Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid acogió la primera supercomputadora del estado español, la IBM 7090, donada por la compañía IBM. Con dicha adquisición, el Centro se convirtió en un lugar para la experimentación donde se investigaban las posibilidades del cálculo automático aplicado a áreas tan inesperadas como la lingüística, las bellas artes, la arquitectura o la música. Este hecho propició que se introdujeran en la universidad española de 1968 nuevos paradigmas para la creación: la estética computacional de Bense, Moles o Franke, y se incorporaron las últimas teorías lingüísticas de Chomsky, la psicología lacaniana o la filosofía de Wittgenstein. Los proyectos desarrollados en sus seminarios tenían una componente transversal, y la computación sirvió de catalizador del cambio, potenciando la permeabilidad entre arte y ciencia. España, gracias al Centro de Cálculo, se situó en la vanguardia internacional del arte y la creatividad computacional.

 

Sala 26. Femenia y la tinta UV.
Inma Femenia trabaja a partir de las propiedades intrínsecas de los materiales (brillo, transparencia, ductilidad), y su relación con la luz (tanto desde su manifestación tecnológica a través de las pantallas como a partir del fenómeno lumínico natural). Esto le lleva a manipular los materiales hasta llevarlos al umbral en que sus propiedades se funden con la intervención de lo digital.
En su trabajo, la luz, el color y la materia son los protagonistas de su experimentación y desempeñan un papel fundamental en la creación de su lenguaje. Un lenguaje que trata de explicar cómo nuestra percepción está condicionada por la realidad que nos concierne, especialmente ante la influencia de la tecnología. El aluminio y el rígido plástico han perdido su forma original. Nuevos espectros cromáticos provenientes del espacio virtual se despliegan ante nuestros ojos. Espacios virtuales que no son sino reflejos de luces que se han fusionado con nuestros espacios vitales. Ya no hay fronteras.