12 Feb MACVAC en FEMENÍ

MACVAC EN FEMENÍ
UN ITINERARI PER LES OBRES DE DONES ARTISTES

MACVAC EN FEMENINO
UN ITINERARIO POR LAS OBRAS DE MUJERES ARTISTAS

Els museus, tant públics com privats, han de treballar a favor de la igualtat com a dret fonamental recollit a la Constitució Espanyola i, posteriorment, desenvolupat a la Llei Orgànica 3/2007 per a la igualtat efectiva de dones i homes. No obstant això, històricament no s’ha fet justícia, en no reconèixer les dones com a agents actius de la cultura, ni donar visibilitat a les seves obres. És un deure social ineludible vetllar per la recuperació de la seva memòria i dignitat, per impedir que segueixi desapareixent el seu llegat, de manera que així se’ls reconegui el valor i el lloc que mereixen per una cultura més justa, completa i democràtica. Per això, el MACVAC va ser pioner a adherir-se al Manifest en favor de la Igualtat als Museus i Centres d’Art, a fi d’obtenir una visibilitat més gran de les aportacions de les dones artistes, en especial de les pròpies de cada territori.

Los museos, tanto públicos como privados, tienen que trabajar a favor de la igualdad como derecho fundamental recogido en la Constitución Española y, posteriormente, desarrollado en la Ley Orgánica 3/2007 para la igualdad efectiva de mujeres y hombres. Sin embargo, históricamente no se ha hecho justicia, al no reconocer a las mujeres como agentes activos de la cultura, ni dar visibilidad a sus obras. Es un deber social ineludible velar por la recuperación de su memoria y dignidad, para impedir que siga desapareciendo su legado, de manera que así se les reconozca el valor y el lugar que merecen en pro de una cultura más justa, completa y democrática. Por ello, el MACVAC fue pionero en adherirse al Manifiesto en favor de la Igualdad en los Museos y Centros de Arte, a fin de obtener una mayor visibilidad de las aportaciones de las mujeres artistas, en especial de las propias de cada territorio.

Les polítiques desenvolupades en aquest sentit des del MACVAC han suposat un canvi molt significatiu respecte a la transformació percentual d’obres a la col·lecció, passant del 12% de creacions d’artistes dones a més del 32% en molt pocs anys, i aconseguint la paritat a l’exposició principal. Aquesta condició s’aprecia des del vestíbul, concebut com una declaració d’intencions, amb peces de Pepa Caballero, Carmen Michavila, Silvia Lerín i Manuela Ballester.

Les obres del Museu van canviant perquè totes puguin ser vistes alguna vegada i a més realitzem exposicions temporals dins i fora del Palau del Batlle, de manera que la relació que segueix a continuació és orientativa. Molt probablement, qui faci el recorregut es trobi amb obres noves o amb altres que estan temporalment fora del museu.

Las políticas desarrolladas en este sentido desde el MACVAC han supuesto un cambio muy significativo respecto a la transformación porcentual de obras en la colección, pasando del 12% de creaciones de artistas mujeres a más del 32% en muy pocos años, y alcanzando la paridad en la exposición principal. Esta condición se aprecia desde el hall, concebido como una declaración de intenciones, con piezas de Pepa Caballero, Carmen Michavila, Silvia Lerín y Manuela Ballester.

Las obras del Museo van cambiando para que todas puedan ser vistas en alguna ocasión y además realizamos exposiciones temporales dentro y fuera del Palau del Batlle, con lo que la relación que sigue a continuación es orientativa. Muy probablemente, quien realice el recorrido se encuentre con obras nuevas o con otras que están temporalmente fuera del museo.

Encara que diferents en intenció i estil, es presenten, a les primeres sales, diversos exemples de la utilització de la figuració en l’art contemporani. Podem veure obres amb més realisme, d’altres de tendència geometritzant, cubista o experiments que busquen utilitzar l’expressió artística com un sistema de comunicació, amb exemples de Nuria Rodríguez i Rosa Torres a la Sala 1.

Igualment hi ha exemples de la recerca de noves propostes formals, de vegades de la mà de l’ús de l’art com a eina de reivindicació feminista i compromís social, des de Teresa Cháfer, Anna Lentsch o la més irònica Inma Liñana, a la Sala 2; i Paloma Navarrés, Lara Ordóñez, Ana Beltrán, Lorena Amorós, Aina Albo, Carme Riu i les Fotolateras a la Sala 3.

Aunque diferentes en intención y estilo, se presentan, en la primeras salas varios ejemplos de la utilización de la figuración en el arte contemporáneo. Podemos ver obras con mayor realismo, otras de tendencia geometrizante, cubista o experimentos que buscan utilizar la expresión artística como un sistema de comunicación, con ejemplos de Nuria Rodríguez y Rosa Torres en la Sala 1.

Igualmente hay ejemplos de la búsqueda de nuevas propuestas formales, en ocasiones de la mano del uso del arte como herramienta de reivindicación feminista y compromiso social, desde Teresa Cháfer, Anna Lentsch o la más irónica Inma Liñana, en la Sala 2; y Paloma Navarrés, Lara Ordóñez, Ana Beltrán, Lorena Amorós, Aina Albo, Carme Riu y las Fotolateras en la Sala 3.

La Sala 4 és una transició, de fet és pas a les següents sales i escala per accedir al següent nivell. Potser la característica més destacada de l’art contemporani és la coexistència d’una pluralitat, ja que tant els llenguatges artístics com els mitjans plàstics o la idea de l’artista i la intenció i la finalitat de l’art són heterogenis. Obres pròpies de la contracultura plantegen que l’única possibilitat és la de fer un diàleg obert amb totes les tendències existents, com les de Nicole Vindel, Ouka Leele o Mavi Escamilla ens conviden a passar a la Sala 5, on la pintura naïf ingenuista conviu amb la modernitat distòpica, amb Roberta Matheu, Isabel Villar, Toyi Pereira, Carol Solar, Marina Nuñez, Mª José Gallardo i Uver Solís. D’altres, com els dibuixos d’Ana Císcar i Ana de Alvear ens proposen pujar fins a la Sala 7 i contemplar les propostes de Mª José Ricós, Amparo Carbonell, Amparo Sard, Elisa Terroba i Isabel Oliver.

La Sala 4 es una transición, de hecho es paso a las siguientes salas y escalera para acceder al siguiente nivel. Quizás la característica más sobresaliente del arte contemporáneo sea la coexistencia de una pluralidad, pues tanto los lenguajes artísticos como los medios plásticos o la idea del artista y la intención y finalidad del arte son heterogéneos. Obras propias de la contracultura plantean que la única posibilidad es la de proceder a un diálogo abierto con todas las tendencias existentes, como las de Nicole Vindel, Ouka Leele o Mavi Escamilla nos invitan a pasar a la Sala 5, donde la pintura naïf ingenuista convive con la modernidad distópica, con Roberta Matheu, Isabel Villar, Toyi Pereira, Carol Solar, Marina Nuñez, Mª José Gallardo y Uver Solís. Otras, como los dibujos de Ana Císcar y Ana de Alvear nos proponen subir hasta la Sala 7 y contemplar las propuestas de Mª José Ricós, Amparo Carbonell, Amparo Sard, Elisa Terroba e Isabel Oliver.

Però abans encara resta la petita sala 6, dedicada a la revaloració del treball de la ceràmica en la dinàmica i les formes de l’art contemporani, autores que utilitzen la tècnica ceràmica com un suport, que van triar la ceràmica com la manera d’expressió de les seves inquietuds artístiques i de la manifestació plàstica, com Amelia Peláez, Pilar Bañuelos, Celeste Garrido, Pepa Reverter, Elisenda Sala, Ruth Morán, Ana Rod, Sandra Val, Paloma de la Cruz, Victòria Maldonado i Virginia Paradise.

Pero antes, aún resta la pequeña sala 6, dedicada a la revalorización del trabajo de la cerámica en la dinámica y las formas del arte contemporáneo, autoras que utilizan la técnica cerámica como un soporte, que eligieron la cerámica como el modo de expresión de sus inquietudes artísticas y de la manifestación plástica, como Amelia Peláez, Pilar Bañuelos, Celeste Garrido, Pepa Reverter, Elisenda Sala, Ruth Morán, Ana Rod, Sandra Val, Paloma de la Cruz, Victoria Maldonado y Virginia Paradise.

Després de les sales dedicades a exposicions temporals, a la Sala 11 hi trobem l’avantguarda de Gloria Torner i Grete Stern. El terme avantguarda fa referència al sentit d’avançada amb què els moviments del període van assumir que havien d’afrontar la seva producció artística, anant al davant i trencant amb la resta de manifestacions del seu moment. No obstant això, també considerem avantguardistes aquelles artistes que van desenvolupar la seva activitat en un període molt més ampli que el de la vigència estricta que va tenir cada tendència històrica, desenvolupant-se de vegades de forma paral·lela. Per això no cal establir una anàlisi lineal com si fos una successió d’esdeveniments encadenats, mentre que en contraposició, les sales que continuen fins a la 15, amb obres de Bea Rey, Ana Navarrete, Rossana Zaera i Elena Asins plantegen directament el desenvolupament d’un art sense temps i sense esdevenir.

La Sala 16 es dedica a les diferents maneres d’entendre el retrat i la figura humana, amb les aportacions d’Antonia Eíriz, Maribel Nazco, Victòria Diehl, Dora Maar, Jacinta Gil Roncalés, Ekaterina Kornilova, Varvara Chorna, Llúcia Fornals o Sara Bellés.

Tras las salas dedicadas a exposiciones temporales, en la Sala 11 encontramos la vanguardia de Gloria Torner y Grete Stern. El término vanguardia hace referencia al sentido de avanzadilla con la que los movimientos del periodo asumieron que debían afrontar su producción artística, yendo por delante y rompiendo con el resto de manifestaciones de su momento. No obstante, también consideramos vanguardistas a aquellas artistas desarrollaron su actividad en un periodo mucho más amplio que el de la vigencia estricta que tuvo cada tendencia histórica, desarrollándose a veces de forma paralela. Por eso no cabe establecer un análisis lineal como si se tratase de una sucesión de acontecimientos encadenados, mientras que en contraposición, las salas que continúan hasta la 15, con obras de Bea Rey, Ana Navarrete, Rossana Zaera y Elena Asins plantean directamente el desarrollo de un arte sin tiempo y sin devenir.

La Sala 16 se dedica a las distintas maneras de entender el retrato y la figura humana, con las aportaciones de Antonia Eíriz, Maribel Nazco, Victoria Diehl, Dora Maar, Jacinta Gil Roncalés, Ekaterina Kornilova, Varvara Chorna, Llúcia Fornals o Sara Bellés.

La renovació plàstica també arriba al paisatgisme, una mirada diferent tant a la natura com a l’urbà construïda a mig camí entre la figuració i les propostes expressionistes. A la Sala 18 es pot veure l’escultura de Miranda D’Amico, i ja a la Sala 20 les pintures de Claudia de Vilafamés i Menchu ​​Gal. Abans, la Sala 19 fa una mirada suggerent als conflictes bèl·lics, amb Carmen Sánchez, Cristina Tejedor i Concha Benedito.

La petita Sala 21 actua com una instal·lació global sobre la bellesa de l’acumulació, ideada per Alejandra de la Torre, que inclou les aportacions de Concha Ros, Maria Freire, Rosario Falcó, Nadia Werba, Marcela Montoya i Manuela Ballester; a més d’una secció fotogràfica amb Ana Roussell, Ana Lupas, Eulàlia Grau, Ulalalau – Laura Avinent, Tonia Trujillo, Marisa Flórez, Soledad Pulgar, Grete Stern o Germaine Krull.

La renovación plástica también llega al paisajismo, una mirada diferente tanto a la naturaleza como a lo urbano construida a medio camino entre la figuración y las propuestas expresionistas. En la Sala 18 puede verse la escultura de Miranda D’Amico, y ya en la Sala 20 las pinturas de Claudia de Vilafamés y Menchu Gal. Antes, la Sala 19 hace una mirada sugerente a los conflictos bélicos, con Carmen Sánchez, Cristina Tejedor y Concha Benedito.

La pequeña Sala 21 actúa como una instalación global sobre la belleza de la acumulación, ideada por Alejandra de la Torre, que incluye las aportaciones de Concha Ros, María Freire, Rosario Falcó, Nadia Werba, Marcela Montoya y Manuela Ballester; además de una sección fotográfica con Ana Roussell, Ana Lupas, Eulàlia Grau, Ulalalau – Laura Avinent, Tonia Trujillo, Marisa Flórez, Soledad Pulgar, Grete Stern o Germaine Krull.

Reconèixer la importància de l’experiència artística per a la vida és comprendre l’obra d’art com una participació en la distància, en el sentit que no s’apropia de l’objecte, sinó que el deixa ser i, així, es transforma el subjecte que experimenta i, alhora, es transfigura el món que l’obra obre. Encara que no objectivi el món, a l’obra artística hi ha una veritat històrica, però, a més, l’art és creació que obre mons possibles i, per tant, anticipa sentits que es poden declarar veritables en el futur. Per això, és imprescindible la interpretació de l’experiència viscuda de l’art, encara que no es pugui considerar clausurada i estigui composta de múltiples perspectives. Així es proposa a la Sala 22 amb Silvia Sempere, Aurelia Muñoz, Altea Grau o Eva Lootz. Podem observar un art conceptual de component exclusivament analític i no d’acció i que no atén cap element subjectiu, per la qual cosa es plantejaria una definició de l’art sota el signe precisament dels conceptes, en les dues tendències: una que analitza el llenguatge artístic en si i una altra més centrada en la recepció del mateix, és a dir, en la lectura.

Reconocer la importancia de la experiencia artística para la vida es comprender la obra de arte como modo de una participación en la distancia, en el sentido de que no se apropia del objeto, sino que lo deja ser y, así, se transforma al sujeto que experimenta y, a la vez, se transfigura el mundo que la obra abre. Aunque no objetive el mundo, en la obra artística hay una verdad histórica, pero, además, el arte es creación que abre mundos posibles y, por tanto, anticipa sentidos que pueden declararse verdaderos en el futuro. Para ello, es imprescindible la interpretación de la experiencia vivida del arte, aunque ésta no pueda considerarse clausurada y esté compuesta de múltiples perspectivas. Así se propone en la Sala 22 con Silvia Sempere, Aurelia Muñoz, Altea Grau o Eva Lootz. Podemos observar un arte conceptual de componente exclusivamente analítico y no de acción y que no atiende a ningún elemento subjetivo, por lo que se plantearía una definición del arte bajo el signo precisamente de los conceptos, en sus dos tendencias: una que analiza el lenguaje artístico en sí y otra más centrada en la recepción del mismo, es decir, en la lectura.

El pas de l’Informalisme va produir controvèrsies diferents de la de la vigència de l’abstracció o la figuració, ja que hi va haver qui va pensar que el que més aviat estava esgotat en l’abstracció era l’expressió, per la qual cosa les tendències abstractes de signe constructiu van aparèixer com una alternativa vàlida, tal com apareixen a les sales 23 (María Aranguren y Nadezhda Udaltsova); 24 (Àgueda de la Pisa, Carolina Valls i Pilar Belmonte); 25 (Elvira Alfageme i Elena Asins); i 26 (Inma Femenía, Marja-Maya JanKovic, Ana H. de l’Amo i Carmen Calvo). Recomanem també pausar la visita a l’oferta de videoart de la Sala 24 (Lorena Amorós, Isabel Oliver, Vane Julián, Claudia Frau, Marisa González, Tonia Trujillo, Angiola Bonanni, Paloma Navarés, Julia Galán, Marta Negre, Lluna Llunera, Verónica Ruth Frías o Maria Papi)

El paso del Informalismo produjo controversias distintas a la de la vigencia de la abstracción o la figuración, pues hubo quien pensó que lo que más bien estaba agotado en la abstracción era la expresión, por lo que las tendencias abstractas de signo constructivo aparecieron como una alternativa válida, tal y como aparecen en las salas 23 (María Aranguren y Nadezhda Udaltsova); 24 (Águeda de la Pisa, Carolina Valls y Pilar Belmonte); 25 (Elvira Alfageme y Elena Asins); y 26 (Inma Femenía, Marja-Maya JanKovic, Ana H. del Amo y Carmen Calvo). Recomendamos también pausar la visita en la oferta de videoarte de la Sala 24 (Lorena Amorós, Isabel Oliver, Vane Julián, Claudia Frau, Marisa González, Tonia Trujillo, Angiola Bonanni, Paloma Navarés, Julia Galán, Marta Negre, Lluna Llunera, Verónica Ruth Frías o María Papi)

 

La diversificació que suposa la fi del segle passat pel que fa al panorama artístic, amb els seus ingredients d’internacionalització de les propostes, tindrà la seva plasmació en una recuperació interessant de la figuració, un nou expressionisme i, en definitiva, un subjectivisme marcat. A partir de llavors l’experimentació amb noves tècniques, disciplines i mitjans, farà que la pintura s’expandeixi més enllà del suport habitual, que l’escultura ampliï el seu univers de materials i que la instal·lació es consolidi a nivell expositiu.

Un dels elements importants és la reaparició d’un art figuratiu que és eclèctic i que en cap cas és un retorn a la tradició clàssica o una mena de tancament de la modernitat artística, doncs precisament una de les característiques és la seva conjunció dels límits entre abstracte i figuratiu: les figures actuen per juxtaposició i la pintura té el propi protagonisme. Després de la Sala 27, amb paisatges de Beatriz Guttmann i Amalia Avia, a la Sala 28 trobem Angiola Bonanni, Breza Cecchini, Teresa Gancedo, M. Dolores Mulá, Loretta Polgrossi, Pilar Sala i Dorna Jafari. No és un art ancorat en representacions naturalistes, sinó que ha assimilat la crisi de la representació: en tornar a la figuració l’artista dóna a entendre el desig d’establir una relació més directa amb l’espectador.

L’experimentació a través del valor plàstic i expressiu de la matèria introduïa a la pintura una nova relació entre realitat i representació. Una revaloració de la realitat des de noves perspectives que havien de deixar al marge les limitacions de la representació, i que troben un clar exemple a la darrera de les sales, la 29, amb Ana Peters, Ana García Pan, Rebeca Plana, Maria Perceval i Juana Francés.

La diversificación que supone el fin del siglo pasado en cuanto al panorama artístico, con sus ingredientes de internacionalización de las propuestas, tendrá su plasmación en una interesante recuperación de la figuración, un nuevo expresionismo y, en definitiva, un marcado subjetivismo. A partir de entonces la experimentación con nuevas técnicas, disciplinas y medios, hará que la pintura se expanda más allá de su soporte habitual, que la escultura amplíe su universo de materiales y que la instalación se consolide a nivel expositivo.

Uno de los elementos importantes es la reaparición de un arte figurativo que es ecléctico y que en ningún caso es un retorno a la tradición clásica o una especie de cierre de la modernidad artística, pues precisamente una de las características es su conjunción de los límites entre abstracto y figurativo: las figuras actúan por yuxtaposición y la pintura tiene su propio protagonismo, mientras que hay un distanciamiento de la propia técnica y del propio tema pintado. Tras la Sala 27, con paisajes de Beatriz Guttmann y Amalia Avia, en la Sala 28 encontramos a Angiola Bonanni, Breza Cecchini, Teresa Gancedo, M.ª Dolores Mulá, Loretta Polgrossi, Pilar Sala y Dorna Jafari. No es un arte anclado en representaciones naturalistas, sino que ha asimilado la crisis de la representación: al volver a la figuración la artista da a entender el deseo de establecer una relación más directa con el espectador.

La experimentación a través del valor plástico y expresivo de la materia, introducía en la pintura una nueva relación entre realidad y representación. Una revalorización de la realidad desde nuevas perspectivas que debían dejar al margen las limitaciones de la representación, y que encuentran un claro ejemplo en la última de las salas, la 29, con Ana Peters, Ana García Pan, Rebeca Plana, María Perceval y Juana Francés.

L’experiència estètica no només aprofundeix en la comprensió del que és propi i allò aliè, sinó que impel·leix a transformar la vida de qui hi està implicat, per això la Sala 29 acaba amb les obres d’Elisa Merino, Cristina Ramírez i Maribel Doménech.

Encara queda el pati, amb les escultures i intervencions de Bibí Mompó, Amparo Domínguez, Natividad Navalón, Sara Giménez Caramiñana, Teresa Eguíbar, Teresa Cebrián i Mercedes Sebastián Nicolau.

Les obres de dones artistes no són una tendència, la seva presència és crucial per entendre l’art contemporani en un museu del segle XXI.

La experiencia estética no sólo profundiza en la comprensión de lo propio y lo ajeno, sino que impele a transformar la vida de quien está implicado en ella, por eso la Sala 29 termina con las obras de Elisa Merino, Cristina Ramírez y Maribel Doménech.

Aún queda el patio, con las esculturas e intervenciones de Bibí Mompó, Amparo Domínguez, Natividad Navalón, Sara Giménez Caramiñana, Teresa Eguíbar, Teresa Cebrián y Mercedes Sebastián Nicolau.

Las obras de mujeres artistas no constituyen una tendencia, su presencia es crucial para entender el arte contemporáneo en un museo del siglo XXI.